U2 es una banda donde hay muy pocas cosas que quedan de lado. El merchandising, la publicidad, la espectacularidad de sus shows, la forma de vender las entradas para sus conciertos, las expectativas ante los lanzamientos, todo está lleno de un sello especial registrado a nombre de Bono y compañía.

En ese sentido, los más fanáticos no pueden no estar de acuerdo con esto, ya que cada cierto tiempo, los irlandeses se encargan de ese público más fiel y los agasajan con materiales exclusivos y llenos de un valor quizás histórico para algunos.

Así como antes lo hicieron con el disco “7” (tras el “All that you can’t leave behind”) y luego con “Communication” (tras el “How to dismantle an atomic bomb”), ahora U2 lanza para los suscriptores de su página web, el disco “Medium, Rare and Remastered”, que –como lo dice su nombre- es una compilación de rarezas y singles remasterizados.

Se trata de un disco doble que viene a ser una especie de recompensa para sus seguidores más fieles. El primero de ellos está compuesto por once canciones sueltas, fruto del trabajo de diferentes discos, temas que nunca vieron la luz en ningún álbum del grupo. En esas canciones, se pueden escuchar las diferentes etapas de U2, desde mediados de los ochenta, hasta los sonidos más actuales de la banda. Entre las canciones a destacar se encuentran “Levitate”, “Smile” y “Native Son”, siendo este último, un tema que inevitablemente nos lleva al inconfundible ritmo de “Vertigo”.

El segundo disco en tanto, es una recopilación de canciones remasterizadas, pertenecientes a diversos discos y singles de U2. “Always” es uno de estos buenos temas, sacado del single “Beautiful Day” del año 2001, es una de esas canciones que uno piensa que debió haber sido parte del disco, pero que por diversas razones no quedó. Otras destacables y que con la remasterización ven resaltado sus sonidos, son “Trash, trampoline and the Party Girl” y “Fast Cars”.

En definitiva se trata de un gran regalo de U2 para los fans, después de lanzar su último disco “No line on the horizon”, justo en el momento que comienzan su gira mundial y poco antes de lo que será el lanzamiento de “Songs of Ascent”, el próximo disco que saldría a fin de año. Por lo que vemos, los irlandeses no se cansan y atacan por todos lados.

Que hayan pasado cinco años de espera, hace suponer a uno como fan, que lo que se viene, es algo grande, portentoso, magnifico… casi revolucionario. Para el fanático de U2 lo es aun más, después de haber escuchado discos que son parte de la historia de la música como “Joshua Tree”, “The Unforgettable Fire” o el genial “Achtung Baby”.
Pero U2 probablemente nos tiene acostumbrados a esto. No se le puede llamar fiasco, porque realmente no lo es. Pero el sabor que queda después de escuchar “No line on the horizon” es más bien amargo. De gusto a poco. Con el convencimiento de que se puede aun más. Y quizás algunos piensen que los cinco años de espera, valieron muy poco la pena.

El fanático-fanático de U2 seguramente va a reprochar esto último. Pero tratando de ser lo más objetivo posible, hay que escuchar Get on your boots para detenerse a pensar y darse cuenta de que lo nuevo de U2, puede que no sea tan potente como se espera.

Muchas veces escuchamos que el primer single del nuevo álbum, sería algo así como una continuación de la poderosa y eficiente Vertigo (primer single del álbum anterior, “How to dismantle an atomic bomb”). Sin embargo, nos encontramos con un single flojo, sin mucho brillo, lejos de lo que podría ser U2 en lo que pregonaron marketeramente como el que sería el mejor disco de su carrera. Ojo, nadie dice que el disco completo sea malo. No lo es. Pero con el tiempo que se tomaron, unido al trabajo de grandes productores como Brian Eno y Daniel Lanois, uno espera más. Es que se trata de U2.

Dejando de lado el primer single, el resto del disco esta lleno de altos y bajos. Altos, como No line on the horizon el primero de los once temas, donde Bono nuevamente saca a relucir esa inconfundible voz, un sello característico de la banda. O Il go crazy if I don’t go crazy tonight donde brilla la banda completa y hace que uno se acuerde de buenos temas como Walk On o Stuck in a momento you can’t get out of del disco “All that you can’t leave behind”.

Breathe es otro de los temas que vale la pena escuchar, y digo, detenerse a escuchar, porque se aprecia toda la banda en su plenitud, con The Edge sacando chispas a su guitarra, la buena y segura compañía que son Adam Clayton en el bajo y Larry Mullen Jr. en la batería, dejando una vez más, todas las luces sobre la impecable voz del vocalista.

Pero no olvidemos los bajos. Ciertamente hay temas que uno quisiera saltarse o sencillamente dejarlos afuera. White as snow es claramente uno de ellos. Tema lento y plano, con muy poco para rescatar. Uno a veces piensa en aquellas canciones que quedan para los B-Sides, y probablemente esta sería parte de uno de esos. La pregunta es, cómo serían las canciones que U2 decidió dejar fuera de este disco.

Otro tema que deja un gusto amargo, es Magnificent, que bien podría haber sido parta del disco “Pop”, uno de los más bajos de la banda.

No se trata de destruir un disco, o a una banda, porque no creemos ni queremos ser tan poderosos o influyentes para descartar o marcar el fin de U2 a través de una crítica.

Por el contrario, la crítica no está dirigida a la larga carrera de los irlandeses, ni menos aun a la marca que han dejado en la historia de la música gracias a muchas de sus canciones, algunas convertidas en himnos (no olvidar que el mismo Barack Obama utilizó en el soundtrack de su campaña el tema City of blinding lights). Se trata de buscar la posición más objetiva posible de un fanático que se detiene un momento a escuchar en profundidad el último disco de la banda.

Opiniones hay muchas, y como aclaramos al principio, no sería correcto definir a “No line on the horizon” como un fiasco porque está muy lejos de serlo. Y aunque aun es pronto para definir la posición de este disco dentro de la carrera de U2, no es injusto decir que se encuentra lejísimos de lo que uno quisiera ver en el horizonte de la banda, luego de cinco años de larga espera.

Parece que hubiese sido hace tiempo. Mucho tiempo. Pero no: ha pasado solamente un año desde que Teleradio Donoso lanzó su primer disco (Gran Santiago). Un año desde que -gracias al single “Pitica”- entraron en las radios y obtuvieran una buena y amplia difusión en los medios nacionales (obra, hay que decirlo, en parte de su manager Carlos Fonseca).

Y obviamente que el detalle de lo poco que ha pasado entre disco y disco, no es gratuito. Porque Bailar y Llorar –la nueva obra de los Teleradio- no se parece mucho a su antecesor. Si antes los referentes eran The Strokes, Electric Light Orchestra y Wilco, ahora los links van por el lado soul-funk. Y no cuesta nada darse cuenta de eso: escúchese los primeros segundos de “Bailar y llorar” (canción que abre el disco y segundo sencillo) para asimilar el cambio en el sonido. O nótese ese bajo que serpentea y destaca en las canciones “2, 3, 4, 5, 6” y “Amar en el campo” . Claro, por ahí se perciben a los Jackson 5; los Rolling Stones en versión “Miss you”; o incluso The Clash en su estado más pachanguero tipo “The Magnificent Seven”.

Como sea: las mencionadas “Bailar y llorar”, “Amar en el campo” y “2, 3, 4, 5, 6” son –tal vez- las mejores canciones del disco. Un disco que se divide en dos partes; la bailable (en la cual están los tres temas aludidos arriba) y otra sección, digamos, “llorable”. O sea, más piola. Y en versión romanticona. La cual es un buen descanso o contraparte para lo que fue la primera mitad. Por ahí pasan: “Las niñas de la cuadra”, “Granada”, “Sed de mal” (que a ratos parece un lado B de Javiera Mena) y la notable “Cuando salga el sol vas a ser un recuerdo” para mecer la balanza hacia el lado melancólico de los Teleradio Donoso.

Producido por el mismo Alex Anwandter (guitarrista, vocalista, compositor de casi todas las canciones y quien, ha confesado en entrevistas, se tuvo que tomar un descanso por el estrés post-disco), Bailar y llorar es de lo mejor que ha salido en el año en música chilena.

Si eres de los que te pareció Gran Santiago como un refrito de varios referentes, tal vez es hora de que le des una oportunidad a Bailar y Llorar. En especial si eres un oyente asiduo a la música de raíz negra (llámese funky, soul o rhythm and blues).

Por eso –y sacando cuentas- lo que más queda grabado en las primeras escuchadas son justamente los cinco primeros temas. Esas canciones bailables que invitan a los movimientos pélvicos tipo Fiebre de sábado por la noche y donde muchos no reconocerán a los Teleradio Donoso versión 2007.

Si el primer disco de Anwandter y compañía será recordado como su ingreso al rock; el segundo quedará en la memoria musical como la arremetida de la banda en las pistas de baile. Lo cual, por supuesto, les ha resultado bastante bien.

A ver, entonces, cuál es su próximo paso.

En la antesala de la salida de un nuevo disco de Oasis, la pregunta que cae de cajón es: ¿qué harán estos mancunianos para reinventarse una vez más? Pero en Dig Out Your Soul la respuesta es clara y directa, porque la otrora “mejor banda del mundo” está componiendo como nunca, literalmente. Los “SexBeatles” finalmente han muerto. Para bien o para mal, quién sabe.

El primer corte del álbum, The Shock Of The Lightning (Noel Gallagher) es la única canción que realmente suena a Oasis, es probablemente el único pseudo-himno de todo el disco. Gran logro para una banda que los últimos 15 años se ha dedicado a escribir himnos y nada más que eso, desde Supersonic hasta Let There Be Love.

Acá nos encontramos frente a una chiclosa y estirada voz de Liam, muy parecida a lo que fue It’s Getting Better (Man!) recitando en el coro un pegajoso: “come in, come out, come in, come out tonight”, simple frasecilla que sin duda alguna hará cantar a millones alrededor del mundo. El típico enganche de los hermanos Gallagher.

El resto del disco es otra cosa y acá no se hablará de “maduración”, sino de evolución musical, que en los temas es bastante coherente, desde la cruda energía de las primeras canciones, hasta los sofisticados elementos de los temas finales. El nuevo sonido de Oasis se descubre por etapas, es como si la banda quisiera guiarte a lo largo del disco. Los Gallagher decidieron dejar su sonido clásico de pop británico, para concentrarse en un sonido mucho más rock, a veces folk y a veces heavy, especialmente en la canción (Get Off Your) High Horse Lady (Noel Gallagher)

Oasis ha sabido rescatar lo mejor de sus raíces y lo ha mezclado con nuevos sonidos e instrumentos. Si hay que hacer la obligatoria referencia a Los Beatles, Dig Out Your Soul es el séptimo álbum de estudio de la banda, al igual que el Revolver y créanlo o no, hay mucho de eso también acá. Como en The Turning (Noel Gallagher), donde nos encontramos con una batería muy similar a la de Tomorrow Never Knows, algo semi-tecno en un principio, que luego se descuelga en una gran canción de rock bien guitarreada.

Sin duda, la influencia de Marc Bolan está presente en muchas canciones del álbum: desde el boogie arrastrado de Bag It Up (Noel Gallagher), que homenajea a The Jesus And Mary Chain, con un cocktail de guitarras ensordecedoras. La melodía de Waiting For The Rapture (Noel Gallagher), hasta el bluseado The Nature Of Reality (Andy Bell). Lógicamente está la inevitable parada Beatle, como comparar (Get Off Your) High Horse Lady con el clásico Come Together, aunque en realidad la batería suena más a Give Peace a Chance que a otra cosa.

Un gran punto aparte es I’m Outta Time (Liam Gallagher), la única balada del disco a cargo del menor de los hermanos. Un tributo a Lennon, un tributo a sí mismo, dice que demoró nueve años en terminarla y sin duda valió la pena. Si no es la mejor canción del álbum, queda inscrita dentro de las tres primeras. Es de esas inmensa, ideal para corear en un estadio repleto y que los encendedores se prendan. Probablemente éste se transforme en el segundo sencillo del disco.

Esta canción podría merecerse un página entera, pero para ser justos, eso sería muy poco. Falling Down (Noel Gallagher), se desliga de cualquier otro trabajo realizado por la banda de Manchester. Es una hermosa balada sicodélica muy al estilo Sgt. Peppers, pero cuarenta años después. La batería y los escalofriantes teclados dejan muy atrás a la guitarra de Noel Gallagher, que apenas si es perceptible, pero que a veces rasga con furia el ambiente. Se oyen voces de ultratumba al fondo y el ritmo, junto con el volumen, varían en intensidad a lo largo de los 4 minutos y medio que dura la canción. Una joya que también podría convertirse en sencillo, de hecho, Chemical Brothers ya realizó una versión de este tema que se puede escuchar como lado-b del single de The Shock Of The Lightning.

Gem Archer, el “nuevo” guitarrista se luce con To Be Where There´s Life. Una cinta al revés, una batería al frente. De a poco se van sumando los demás instrumentos, y la gran voz de Liam se escucha como nunca. También podría transformarse en sencillo, aunque diciéndolo fríamente, sería el primer single anti-Oasis, porque no suena a nada que hayan grabado antes y probablemente los fans serían los más defraudados. Mejor disfrutarla directo desde el disco.

Por último tenemos Soldier On (Liam Gallagher), un final a mid tempo épico, ideal para estadios. Difícil de digerir, complicada de clasificar, la frasecita “soldier on” se repite hasta la exasperación, acompañada por una batería y a veces ultra distorsionadas guitarras, se podría decir que es el Tomorrow Never Knows del último disco de los hermanos Gallagher. Un gran final que se va diluyendo en el silencio hasta desaparecer, algo muy similar a The Cage, el track oculto del Heathen Chemistry.

Oasis ha vuelto y lo ha hecho con violencia, inteligencia y dedicación, lo que se puede apreciar desde las composiciones, la propaganda, las letras y el arte del disco, muy por superior a cualquier otra publicación de la banda inglesa. Tal vez, y de una vez por todas, los fans lograrán entender que lo más importante es la música y que no habrá un nuevo Wonderwall o un nuevo Stand By Me, pero sí existirán un nuevo I’m Outta Time o un nuevo Falling Down.

Dig Out Your Soul es un muy buen álbum, que suma temas para que los shows de Oasis no caigan en su dinámica. Eso es lo que debemos esperar de los Gallagher hoy. El tiempo de los clásicos se agotó hace rato.

A pocos días del lanzamiento oficial de Death Magnethic, donde los sitios oficiales de la banda ya comenzaban su campaña viral para promocionar el disco, ocurrió lo que todo músico teme. El nuevo álbum se filtró en Internet antes de tiempo. ¿La razón? Al parecer, en Francia, una tienda que ya tenía el disco en sus bodegas, no resistió a la tentación de venderlo antes de la fecha establecida –este 12 de septiembre-. A las pocas horas, Muerte Magnética ya estaba para bajarse por la Web. A continuación un análisis track por track, con nota de 1.0 al 7.0, de lo que prometía ser el disco más esperado por todo el mundo este 2008.

That Was Just Your Life (Esa fue sólo tu vida): La tensión comienza desde un principio. Al poner “play” se escuchan algunos segundos de latidos cardíacos que pronostican lo que será una larga experiencia de éxtasis. La melodía parte de forma lenta con una guitarra sin distorsión, muy a lo Ride the Lightning (1984) o Master Of Puppets (1986). Pero la fiesta viene al minuto y medio de canción. Una serie de riffs abiertos con varias secuencias y, a veces, con algo de “palm mute”, hacen de este track algo interesante. El coro me hizo recordar inmediatamente los versos del tema Dyers Eve, en el álbum…And Justice For All (1988). Según mi visión, esta canción servía más para cerrar el disco que para abrirlo. Se merece un 5.5

The End Of The Line (El fin de la línea): Si te preguntabas qué había sucedido con la canción-maqueta que Hetfield presentó en vivo como “The New Song” en Berlín el año 2006 -lo que era el primer indicio de lo que se vaticinaba para lo que sería Death Magnetic- en este track la puedes encontrar. Algunos extractos de ese tema se escuchan aquí. Sobre el contenido en general de la canción, es la más parecida al St. Anger (2003). De hecho, el “bridge” y el coro se parecen bastante a algunas partes de Some Kind Of Monster. Se ha ganado una nota 4.0.

Broken, Beat & Scarred (Quebrado, Golpeado y Asustado): En la introducción tiene alguna esencia del Black Album (1991), pero ya sus riffs antes del verso y en el verso en sí, son una inspiración neta de algunos temas como Cure del Load (1996). Desde los cuatro minutos en adelante la cosa cambia de color y se pone más…And Justice For All (1988) nuevamente. Nota 5.0

The Day That Never Comes (El día que nunca viene): Este es el primer single oficial de Death Magnetic. La letra –poco optimista- habla sobre la decadencia del mundo en que vivimos, donde no hay vuelta atrás, sólo un dios que nos salve en la otra vida. En cuanto a la música y melodía, claramente se pueden notar similitudes a temas como One del…And Justice For All (1988), Fade to Black de Ride the Lightning (1984) y Welcome Home Sanitarium del Master of Puppets (1986), acompañados también de riffs sacados del Load (1996). El videoclip se estrenará a comienzos de septiembre. Fue grabado en las afueras de California y está ambientado sobre la guerra en el medio oriente. Se lleva un 5.0

All Nightmare Long (Durante toda la pesadilla): Aquí se puede notar de forma tajante la mano del productor Rick Rubin. Esta canción es realmente un híbrido. Ni siquiera por causa de mezclas de melodías de todas las épocas de Metallica como en otras canciones del álbum, sino que aparecen marcadas influencias Rubinistas que también fueron plasmadas en discos como Mesmerize (2005) e Hipnotize (2005) del grupo System of a Down. También hay características doctrinales de algunos temas de Tom Araya, Slayer. Además se pueden encontrar otros extractos de “The New Song”, como los riffs que parten desde los seis minutos en adelante. Se lleva un 6.0 por ser original dentro del concepto Death Magnetic.

Cyanide (Cianuro): Sobre esta canción ya teníamos un avance desde el Ozzfest 2008 cuando fue estrenada en vivo. Claramente agrada más oírla en formato grabación, pero aún suena como si fuera una secuencia de diversos riffs sin sentido. Sin lugar a dudas comparto la opinión de otros críticos que es “una” o “la” canción más floja del álbum. Lo más rescatable es el coro, que se usó para promocionar los primeros pasos del disco en el sitio web missionmetallica.com. Un 4.0 por ser algo desagradable al oído.

The Unforgiven III (El imperdonado III) : Sin lugar a dudas la canción más esperada del álbum y la que mantuvo más dudas de cómo sería en comparación con sus dos hermanas mayores, ubicadas en los discos Black Album (1991) y ReLoad (1997) donde además, tienen entre ambas, algunas similitudes en sus melodías. The Unforgiven III es la más fuerte a lo que se refiere en su estructura de guitarras y contenido general. Es oscura, pero no tiene ese espíritu de himno que tenían las anteriores. El toque melancólico que le dieron al principio con un piano, violines y trompetas, sale un poco del contexto que se viene escuchando desde el track número uno. Quizás en otra canción hubiera sido “unforgiven” (imperdonado), pero como se trata de esta trilogía en especial el permiso es concedido. Por continuar con la magia de los Unforgiven se ganó un 5.8.

The Judas Kiss (El beso de judas): Sin lugar a dudas una de las más escuchadas en versiones de extractos durante todo el proceso de creación de Death Magnetic. A partir de los 25 segundos de canción ya se asimilan esos riffs que tantas veces sonaron en la promoción del sitio Web missionmetallica.com. La voz de James Hetfield, acompañada por la totalidad de los instrumentos, hace del coro una versión potente de lo que podría ser el himno más conocido de este noveno álbum de estudio. Es una canción especial para tocarla en vivo y poder jugar con el público a partir de los cuatro minutos y medio, pero más corta hubiera sido mucho mejor. Lejos una de las mejores del álbum. 6.3.

Suicide & Redemption (Suicidio y Redención): Este es el tema instrumental que se comentaba en muchos foros dedicados a Metallica, el cual sigue claramente los pasos de canciones como To live is to die del disco…And Justice for All (1988) y Orion del Master Of Puppets (1986). Pero es en este tema en especial donde el bajista Robert Trujillo muestra sus verdaderos dotes al dar una clase magistral, a lo Cliff Burton en Anesthesia Pulling Theeth del Kill `em All (1983), de cómo puedes hacer sonar un bajo tal como una guitarra. A pesar de los prodigiosos solos de bajo y guitarra, la canción es demasiado larga, por eso un 5.5.

My Apocalypse (Mi apocalipsis): Lejos la canción más potente, rápida y precisa en su duración de todo el disco. Este track, así como su título, es una “apocalipsis” de rápidas secuencias de riffs que hacen que todo el proceso de audición de Death Magnetic con sus altos y bajos, pasen desapercibidos o sean omitidos. Es una canción que, si bien, despide de buena forma el álbum, también hubiera sido perfecta para comenzarlo.
Es claro que las palpitaciones cardíacas de los primeros segundos del álbum hubieran acelerado significativamente luego de este tema. Se merece un 6.8.

Como conclusión general, hay ciertos puntos en concreto que se pueden destacar luego de viajar por este complejo túnel de la muerte magnética. En primer lugar, el trabajo en las guitarras de Hetfield/ Hammett y, la dinámica y cómplice función del bajo de Robert Trujillo, no tienen nada que envidiar a ningún otro disco de Metallica. Por ese lado, misión cumplida. No se puede decir lo mismo sobre el mediocre desempeño en las percusiones del baterista Lars Ulrich. Además de estar un poco alto el volumen de la batería, claramente faltó mayor calidad y energía al momento de ejecutar los compases. Sobre el pasivo desempeño de Ulrich, ya corren algunos rumores que apuntan a una supuesta intencionalidad del baterista para que la estructura pudiera calzar, perfectamente, con el concepto del videojuego Guitar Hero III. Que el mismo día del lanzamiento oficial de Death Magnetic, lanzará una versión especial del disco para su formato de juego.

En segundo lugar, la duración de la mayoría de las canciones, salvo algunas excepciones, es demasiado larga, siendo a veces agotador escuchar los temas por completo. Es raro que no hayan aprendido sobre eso luego de lanzar St. Anger (2003).

Lejos Death Magnetic es un disco maduro que se pasea por toda la historia de Metallica, desde un principio hasta un final. Los solos de Kirk Hammett vinieron más agresivos y potentes que nunca y el debut de Robert Trujillo grabando su primer álbum con la banda es digno de elogios. Tal como dicen muchos críticos que han escuchado el disco. A Death Magnetic se le puede situar entre el…And Justice For All (1988) y el Black Album (1991). Siendo a los seguidores de la vieja escuela a los que tendrá que convencer.

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