Al parecer, este texto debe comenzar dando un “tapa bocas” a todos los críticos; sean periodistas, escritores, expertos musicales o simplemente fanáticos, que durante los últimos años han despotricado en contra del recorrido de estos ya maduros músicos del heavy metal.

Para muchos fanáticos acérrimos del thrash metal, el cambio de look y de sonido que tuvo Metallica en los tiempos del Load (96) y ReLoad (97) fue imperdonable. Para otros fans, cercanos –en ese entonces- a la precaria Web, la lucha de Lars Ulrich contra Napster (2000), fue el punto final de aceptación a la banda.

El resto de los fieles seguidores, ya no admitieron los radicales cambios de estilo de un disco a otro cuando el grupo –ya sin su bajista Jason Newsted- lanza St. Anger (2003); una mezcla de guitarras crudas estilo Agro Metal, la ausencia de los eléctricos solos de Hammet y una batería cuya caja sonaba como si Lars estuviera golpeando un tarro de leche en polvo.

Además, sus ídolos deciden ventilar todas sus crisis internas a través de un documental llamado “Some Kind of Monster” (2004), el cual muestra la casi ruptura de la banda a causa de las constantes luchas de ego entre Ulrich y Hetfield; sin sumar el ingreso de este último a rehabilitación por el excesivo consumo de alcohol.

Pero como dice la ley de la naturaleza, hay orden después del caos. Metallica, a fines de 2008 lanza su disco Death Magnetic, que viene a reconciliarse con sus viejos fans, en un intento por volver a sus orígenes. Además, una rehabilitada banda llena de energía, positivismo y calidad musical, comienza a irse de gira por todo el globo tocando sus mejores hits y ventilando varios temas que no tocaban desde hace décadas.

Hoy ver a Metallica en vivo es sinónimo de presenciar uno de los mejores shows del mundo. Aunque por su gira latinoamericana se presentan con 2/4 de su verdadera artillería referente a la puesta en escena; no deja nada que envidiarle a un show de Europa o Estados Unidos. Simplemente porque los “four horsemen” son los mismos.

Chile tuvo que esperar un poco más de diez años para volver a ver a estos grandes del metal, pero la espera valió la pena. Este 26 de enero de 2010, arribó al país otro Metallica. Llegó una banda mucho más afiatada y madura, pero rejuvenecida al momento de pisar los escenarios; lo que se debe, principalmente, a que volvieron a sentir esa chispa por tocar rock.

HEROES OF THE DAY

En cuanto a las supuestas refacciones que se harían en el Club Hípico, lo único que se alcanzó a percibir fueron diversas señaléticas para dirigir la entrada y salida de esta gran masa de rockeros y una mejor distribución y orden en las rutas de salida.

Con casi 30 grados de temperatura, a las 15: 30 horas de la tarde se abrieron las puertas para recibir a miles de fans que iban llegando al recinto. A eso de las 19:40 horas, ya con una cancha bastante más concurrida, se dio comienzo al show de la banda soporte.

Criminal, una de las históricas bandas del metal nacional, cuyo líder es Anton Reisenegger, tuvo que lidiar con una magra calidad de audio. A pesar de la mediocridad técnica, la banda tocó -con la frente en alto- varios de los hits de toda su carrera como “Slave Master”, “Hijos de la Miseria”, “Victimized” y “21st Century Paranoia”. El que destacó fue el baterista invitado, Nick Barker, cuyo doble pedal era una ametralladora de pulsos.

Durante casi una hora de show, los miles de espectadores  escucharon con respeto y corearon algunos temas . Pero el tiempo se agotaba y era necesario dar el paso al plato principal. Reisenegger, antes de bajarse del escenario, le pide a la gran masa de rockeros que sigan dejando el nombre de Chile en alto; por ser uno de los mejores países del mundo en demostrar garra y animosidad al presenciar conciertos.

A las 20:30 horas Criminal abandona el escenario y comienza la instalación de los equipos de la banda norteamericana. El técnico encargado de las guitarras de Hetfield aparece soltando riffs con la última adquisición del frontman; la espectacular ESP Iron Cross. La batería de Lars Ulrich es puesta en el medio del escenario y es testeada por un asistente. Pasa lo mismo con la guitarra de Hammet y el bajo de Trujillo.

21:20, la expectación y las ansias acumuladas por más de diez años se hacen sentir en el ambiente. Ya está todo oscuro cuando súbitamente comienza a sonar “The Ecstacy of Gold” la clásica melodía creada por el italiano Ennio Morricone y que ha abierto cientos de shows de la banda por más de quince años. El griterío de los espectadores es abrumador. Mientras tanto, las pantallas laterales muestran imágenes del clásico “The Good, The Bad & the Ugly”, del director Sergio Leone.

Era de esperarse. El cuarteto inicia el espectáculo con” Creeping Death” –siguiendo el mismo parámetro de su gira por Latinoamérica- luego pasaron” For Whom The Bells Tolls” y “The Four Horsemen”, prendiendo la acalorada noche de enero. Mientras tanto, miles de fanáticos apostados en cancha y tribuna, hicieron notar su descontento con el audio de las primeras tres canciones, el que luego fue arreglado por el equipo técnico.

Clásicos como “Harvester Of Sorrow” y “Fade To Black” sonaban con pulcritud. Hasta ese momento llegaba la tanda de temas de antaño. A continuación, los músicos se retiran del escenario y comienzan a sonar los “heartbeats” que abren Death Magnetic (2008),  la última placa de la banda.  Así, vuelven a la tarima esparciendo por el aire los riffs de “That Was Just Your Life”, seguida por “The End Of  The Line”. Fue en este momento cuando el público tuvo mayor relajo, ya que muchos no conocían muy bien los temas.

“Sad But True” es la encargada de cortar la seguidilla de canciones actuales y volver a los clásicos de antaño. Todos coreaban los versos de tan épica canción que se ha repetido en los setlist de toda la gira World Magnetic Tour.

Un momento divertido fue cuando se le hace un zoom –por la pantalla gigante de LED- a las manos de James Hetfield, quien terminaba de ejecutar su guitarra. En ese instante comienza a jugar con su uñeta signature del último disco, para luego formar el símbolo de los cuernos con sus dedos y terminando de levantar el dedo medio a todos sus fans, provocando risas en la multitud. 

Continúan con dos temas del último disco, encabezados por “Broken, Beat & Scarred” y “Cyanide”, la que provocó el momento más bajo del show. Súbitamente todo se oscurece y comienza a sonar la artillería bélica que introduce al tema –quizás más esperado de la noche- “One”.  Al instante, salen por todas partes del escenario una cantidad de llamas y pirotecnia que hacían parecer el año nuevo un simple día festivo más. Al comienzo de los beats de batería, se percibió –para mi gusto- uno de los pocos errores de ejecución de toda la noche, pero con tanta calidad y energía durante el show, pasó casi inadvertido.

Después de este clásico vendrían explosivos temas como “Master Of Puppets”, “Fight Fire With Fire” –donde también hubo pirotecnia- y  “Nothing Else Matters”, entregando una pincelada de intimidad que emocionó a los miles de espectadores. Esta segunda parte del show cierra con “Enter Sandman” y ya daba pie para lo que sería el último bloque del espectáculo.

El final no destiñó. Tres temas fueron los encargados de cerrar la noche. Todo comenzó con un cover a “Blitzkrieg” –cuya banda tiene el mismo nombre-, luego suena la endemoniada y adrenalínica “Whiplash”, para terminar con otro tema que ha cerrado casi toda la gira de Metallica… “Seek & Destroy”.

Tras  poco más de dos horas, Metallica se retira y deja en el aire esa sensación  de que son el monstruo del metal mundial y que han vuelto para quedarse. Que los años encima de cada uno de los integrantes –todos están arriba de los 45- no han sido de mayor dificultad para realizar largas giras mundiales y entregar en cada ciudad o país que visitan, lo mejor de sí. Simplemente porque Metallica ya es una empresa afiatada, una máquina cuyos engranajes, aún tienen larga duración.

Es de esperar que este no sea el último concierto de los “four horsemen” en el país. Y si lo fuera…ya puedo morir tranquilo.

En abril de 1994 Depeche Mode pisó suelo chileno por primera vez. La banda estaba compuesta por Dave Gahan, Martin Gore, Alan Wilder y Daryl Bamonte. Por ese entonces venían promocionando su octavo disco de estudio titulado Songs Of Faith And Devotion, álbum altamente influenciado por el movimiento grunge y que se demoró más de tres años en ver la luz, principalmente debido a los problemas de drogadicción de Gahan, quien estuvo a punto de ser expulsado de la banda.

El domingo 10 de abril se presentaron ante un repleto Velódromo del Estadio Nacional. Durante el vuelo que los traía al país se enteraron del suicidio de Kurt Cobain y ese mismo día, Andrés Bobe, guitarrista y fundador de la banda nacional La Ley perdía la vida al chocar su moto en estado de ebriedad contra un árbol. Los ánimos no eran los mejores aquel día y el estado en que se encontraba Gahan era totalmente deplorable.

The Exotic Tour terminó el 8 de julio de ese año en Indianápolis. Meses después Gahan sufriría un infarto por sobredosis y tanto la banda, como la prensa, ya pensaban en la disolución del grupo.

15 años pasaron desde ese episodio y el 27 de abril de 2009 se confirmó que el Tour Of The Universe pasaría por Chile el 15 de octubre. Ahora como trío, con Andrew Fletcher de vuelta en los teclados y con nuevo disco bajo el brazo. Las expectativas por cierto, eran muy altas.

Mucho se discutió el lugar de presentación, pero como ni San Carlos de Apoquindo ni ninguna dependencia del Estadio Nacional estaban habilitados, el lugar escogido fue el Club Hípico. Tremendo, pero tremendo error.

21:07 horas y la banda hace ingreso al escenario con la introducción de “In Chains” sacado del Sound Of The Universe, último trabajo del grupo. Una pequeña desafinación de Gahan durante el tema hacía presagiar que el recién operado de cáncer no estaría a la altura, pero por surte, ese fue su único error.

Fue un espectáculo redondo, perfecto, casi como estar escuchando uno de sus discos en un walkman. Los años de experiencia sobre el escenario se hicieron notar y las 45 mil almas que repletaban el improvisado anfiteatro se deleitaron por casi dos horas con los clásicos y los nuevos temas.

No hubo sorpresas, el setlist fue el mismo que llevan tocando desde Colombia y, a parte del “Pato Yañez” de Gahan, que causó el griterío enfermizo de las féminas presentes, el público se vio apagado y no hubo mucha conexión de la banda con sus fanáticos.

Lo mejor de la noche fueron sin duda “Jezebel”, “Home” y “Somebody” interpretados de manera perfecta por Gore, que por momentos parecía opacar el barítono de Gahan. Sólo con los clásicos el público saltó y cantó, como “Policy Of Truth”, “Enjoy The Silence”, “Never Let Me Down Again” y por supuesto, el clásico de clásicos, “Personal Jesus”, que al parecer era el único que conocían todos los presentes.

Sobre la presentación, sólo una cosa que criticar, la Firebird de Gore sonó extremadamente fuerte al comienzo de “Precious” y de “Personal Jesus”, incluso opacando la voz de Gahan, pero son sólo detalles, como las bases que sonaban a Fruity Loops en esos altavoces 2.0. En definitiva, un correcto concierto. No se esperaba menos

Pero como dicen por ahí, “otra cosa es con guitarra” y todas las críticas negativas se las lleva la productora Time 4 Fun. En primera instancia, la entrada por avenida España, ¿era necesario caminar casi 20 minutos por las dependencias, mamarse 3 controles y a la salida demorarse una hora para llegar a la calle?

Luego el precio de las entradas: Cancha: $28.000, Tribuna: $48.000, VIP: $65.000, Balcón preferencial: $80.000, todo eso más gastos por servicio, o sea, que una gorda en un Mall apriete un botón y te cobren el 10% más.

En cancha no se veía una mierda y más encima le pusieron dos torres para tapar más la panorámica, eso no lo he visto en ningún recital. La pobre gente que pagó 80 lucas por asientos numerados… sorpresa, nunca fueron numerados y la cancha “VIP” era más grande que la general. Hace un par de años, general era realmente general, o sea, toda la cancha costaba lo mismo.

Sigamos, las pantallas en ciertas canciones no mostraban un carajo a la banda, sino que unas presentaciones en flash hechas como el año 95, realmente patéticas, porque los súper camarógrafos de TVN al parecer no saben enfocar una estúpida cámara. Tal vez el desenfoque los hacía sentirse vanguardistas o algo por el estilo o muy probablemente Entel no puso mucha plata.

Por último, el queridísimo diario La Tercera que el 7 de octubre publicó lo siguiente: “Son 40 personas, en total, las que viajan con Dave Gahan y compañía y más de la mitad son técnicos que trabajarán desde el 14 de octubre en el montaje de un escenario que se arma con 12 toneladas de equipo.” ¿12 toneladas? Con suerte había unas luces de árbol de pascua y más encima es el diario que auspicia el evento, dejen de joder, dejen de robar, eso es publicidad engañosa y está penada por la ley. Sino vean reclamos.cl y pongan el nombre de la banda.

Grande Depeche, muy grande, demostraron que con el paso de los años siguen impecables. T4f, eras mejor cuando te llamabas CIE y que lástima que el Arena sea de Movistar, porque con Entel no pasa nada. Le deben una explicación a mucha gente.

Con un show que se extendió por casi hora y media y sin esperar ni más ni menos, el 13 de junio The Kooks mostró su trabajo en el Caupolicán. Con un público que se sabía las canciones, incluso algunos bien creciditos coreaban las letras. Otro segmento, que parecía haber acudido más por curiosidad que por devoción, miraba atentamente los movimientos de su vocalista y el cero desplante de los otros integrantes, que solamente estaban ahí por estar ahí. Con esto digo que Luke Pritchard es el alma del grupo, los otros son parte del paisaje. Comenzaron su show con “Always Where I Need To Be” y ahí quedó la embarrada, porque no alcanzó para la cagada.

Luke, de forma muy agresiva y pretendiendo ser un Dios de la música y los escenarios, tiró su guitarra al piso, durante el comienzo de “Do You Wanna”. Estaba frustrado porque no sonaba como él quería después de algunos cuantos intentos. Todo seguido de un grito de adoración casi general de un público, en su mayoría mujeres, y en su gran y basta mayoría ABC1. Era como estar en un interescolar de colegios de barrio alto donde sólo acudían las más forzadas a rockeras alternativas. Muchas acompañadas de sus padres. Esto no es una critica, simplemente cada grupo socioeconómico tiene sus gustos, sean buenos o malos. Si esto se entiende mal, pues mala cuea.

Llamó la atención la presencia de Carabineros rodeando la cancha, como si estos británicos fueran a causar anarquía y rebelión. El único percance, de connotaciones violentas fueron unos cabros, de esos medio lanas con chaleco andino comprado en el pueblito de Los Dominicos, comenzaron a agarrarse a combos durante el infaltable “moshpit” (me encantaría ver uno en un recital de La Noche), pero todo terminó cuando un perro zorro detuvo el altercado y terminaron abrazándose. Parecía comercial de cerveza.

Ya terminando el espectáculo, después del típico “encore” de todos los conciertos de la historia de la humanidad, el vocalista tocó un par de canciones solo, con guitarra en mano. “Princess Of My Mind” y “See The Sun” dejó ver que el cabro se las puede, y también floreció un cierto romanticismo a la fuerza entre el público, donde se podían ver las parejas abrazándose o compartiendo cigarros. Que cosa más linda y espeluznante. Después de este momento tan hediondo a amor, volvieron los demás integrantes para de una vez terminar e irse al hotel, quien sabe para qué. Con “Stormy Weather” y “Sofa Song” dieron por terminado todo, con una audiencia satisfecha, que no pidió que volvieran más.

Debo admitir, a pesar de mi tono crítico y asquerosamente cruel, que esperaba menos de los Kooks. Saben tocar sus instrumentos, saben reclamarle a los sonidistas, no se les ve mal el uso de pitillos y botas (hay que admitir que en algunas bandas esa moda se ve demasiado exagerada). No son rockstars de tomo y lomo, ni tampoco son chupamedias con el público. Me refiero a esto porque Luke Pritchard, tuvo más de alguna vez jugando con la siempre presente bandera chilena arrojada por alguien del público, pero no exageró. Les daba lo mismo si estaban en Santiago, Buenos Aires o Londres. Ellos simplemente tocan su música y se van.

Les viene mal la etiqueta de independientes, porque hay que ser francos, The Kooks son una maquina de hacer éxitos. Rock popero, pegajoso, y que todos pueden cantar. Y eso es bueno.

Chao Kooks, igual valen la pena. (Me van a llegar botellazos y garabatos por lo último que dije).

Oasis tocó por tercera vez en Chile. Sí, por ¡tercera vez! Y como alguien dijo por ahí “la tercera es la vencida”, y así fue. Los hermanos Gallagher y compañía dieron una clase magistral de lo que es un concierto de rock. Con una pulcridad musical inigualable, sin parafernalia ni efectos especiales, consiguieron prender al público, hacer un espectáculo redondo y dejar a la gente babeando por más. Todo eso, en tan solo 90 minutos.

A las 9 en punto, sin pantallas gigantes y con una simple y básica iluminación, se escucharon fuertes y claros los tambores de “Fuckin’ In The Bushes”. Mientras la banda liderada por Liam Gallagher hacía su aparición sobre el escenario. Euforia total, los “chicos malos” de Manchester volvían al país luego de tres años de ausencia.

De ahí en adelante el concierto fue una mezcla de himnos inmortales y canciones nuevas, que afortunadamente, el público conocía hasta la última de sus sílabas. Un gran karaoke se había montado en el anfiteatro y el quinteto inglés era el líder de la orquesta.

Así se sucedieron “Rock ‘N’ Roll Star”, “Lyla”, el nuevo hit “The Shock Of The Lightning” y la clásica “Cigarettes & Alcohol”. Los parlantes sonaban a toda potencia, la banda se veía contenta, ningún error, puro Rock ‘N’ Roll del bueno, lo que demuestra el profesionalismo que han adquirido estos tipos a lo largo de los años.

La que se suponía iba a ser la parte aburrida del concierto finalizó con “The Meaning Of Soul” “To Be Where There’s Life” y “Waiting For The Rapture”. Después de eso, el que no conocía un tema es porque simplemente no ha prendido una radio en los últimos 15 años.

Los Gallagher se intercambiaban el micrófono en “The Masterplan”, una de las más aplaudidas de la noche. Luego “Songbird” y la desempolvada del Definitely Maybe “Slide Away” un completo acierto para los fanáticos de siempre y una demostración de que la voz de Liam está recuperando ese tono pegadizo de mediados de los noventa, algo que también se percibió en “Morning Glory”, ningún carraspeo ni “gallito”. Al parecer, después de tantos años, por fin entendieron que la banda se debe a su público y qué mejor demostración de aquello que escuchar a su vocalista cantando como antaño.

“The Importance Of Being Idle”, la rarísima y a la vez hermosa “I’m Outta Time” y el clásico de clásicos “Wonderwall”, para terminar con la primera parte del espectáculo con el mayor hit de los Gallagher, la inmortal “Supersonic”

Regresan al escenario sin Andy Bell y sin Liam. Noel se preparaba para hacer una inspiradísima interpretación de “Don’t Look Back In Anger” en versión semi acústica y que permitió que el público interactuara con el grupo, dejándolos cantar el coro a todo pulmón, igual como se puede escuchar en el disco Familiar To Millions. Conmovedora.

El final se acercaba, Andy Bell regresa al escenario para que Noel interprete el último single de la banda titulado “Falling Down”, el público corea la canción y Noel agradece emocionado, algo bastante extraño en un concierto de Oasis.

El himno “Champagne Supernova” y finalmente el cover de The Beatles “I Am The Walrus”, un recuerdo a Lennon y a la banda que más los ha influenciado a lo largo de su carrera.

Un espectáculo redondo, con una banda entregada a su público, sonriente, sin ningún “rockstarismo” o falla técnica. Muy simple, muy básico. Cinco tipos sobre un escenario que apenas se mueven logran remover las tripas de quienes los escuchan. Eso es rock o al menos, el rock de verdad o lo que uno esperaría que fuera.

No es casualidad el título del artículo, la mentada canción fue la que marcó la línea de la discordia entre el primer y segundo concierto de los británicos en Chile. Dos espectáculos casi completamente distintos y que se desglosan desde las nueve de la noche del jueves 26.

En el mismo instante que Radiohead hizo su aparición para interpretar “15 Steps” se notaba algo raro en el aire, tanto dentro del grupo, como entre el público. El primer concierto que en realidad debería haber sido el segundo, estaba plagado de gente que desconocía las canciones de “In Rainbows” y ni hablar del “Amnesiac” o el “Kid A”. El silencio en cancha se podía cortar con un cuchillo, lo que desagradó a la banda y los hizo tocar a mitad de potencia.

La catalogada como la “mejor banda en vivo del mundo” (según Rolling Stone) no lograba conectarse, ni entre ellos, ni con la audiencia. Le siguieron “Airbag” y “There There”, que sorprendían con un magnífico juego de luces y sonidos, pero que no prendían ni a la gente ni al grupo.

Y llegó el turno de las discrepancias y los “rockstarismos”. “All I Need” sonaba floja a través de los amplificadores y la gente del Golden no tenía idea de qué escuchaban. En cierto minuto Thom Yorke dio vuelta el micrófono hacia la gente para que cantara el coro del tema y qué sucedió, silencio total.

Cual niño amurrado de cinco años abandonó los teclados y desapareció por aproximadamente 15 minutos, dejando al resto de la banda en una incómoda posición, tratando de animar a la gente con las manos y dando explicaciones que no dejaban a nadie contento. Todo se puso color de hormiga.

Medios como El Mercurio o La Tercera (auspiciador del evento) recalcaron que el parón fue debido a “problema técnicos”, obviando que Yorke se fue enfurecido a su camarín y no tenía ni la menor intención de volver hasta que todo el público coreara su nombre, cosa que gracias a Ed O’ Brian se logró, porque a punta de aplausos y aletazos, logró animar a la gente para que corearan un tibio “Thom, Thom, Tohm”.

Importante mencionar que las pantallas no mostraban íntegramente el concierto, apenas se notaban las cabezas del grupo entre efectos visuales y rarezas varias, lo que provocó que la gente de cancha general ni se percatara de lo que sucedía en el escenario, porque la visibilidad era casi completamente nula.

El vocalista regresó al escenario para interpretar “Nude”, “Weird Fishes/Arpeggi”, “The Gloaming”, “The National Anthem” y “Faust Arp” (gran regalo para lo fanáticos). Espectaculares versiones de los temas, pero ni el público ni Yorke cambiaban de actitud. Por suerte para todos, el siguiente tema fue el punto de inflexión del concierto, marcando un antes y un después, porque “Karma Police” fue coreada por todas las almas que repletaban la Pista Atlética. Algo que, además, dejó en claro que el público de ese día venía a escuchar grandes éxitos y había cero interés por canciones nuevas o rarezas antiguas.

Ya con una audiencia más prendida, los ingleses le dieron sin parar, siguiendo con “Optimistic”, “Pyramid Song”, “Reckoner”, “Jigsaw Falling Into Place”, “Idioteque” (que nadie sabe por qué, pero fue mucho más corta que la original), “Bodysnatchers” y “How To Dissappear Completely”. Con esa lista de temazos se despiden fríamente y salen del escenario.

De regreso el irónico vocalista se burla del público tapándose los oídos, emulando un estruendo ensordecedor que nunca se escuchó por parte de los asistentes, el silencio seguía siendo el peor enemigo de lo que podría haber sido el concierto del año.
Sentado al piano en “House Of Cards”, Yorke continuó con sus mofas hacia el público, pronunciando en dos ocasiones un irónico (y a la vez cierto) “show business” (negocio del espectáculo). Dejando muy en claro que estaba tocando por obligación contractual y no por sus increíbles ganas de impresionar a los chilenos.

Aún así el ambiente se distendió, el vocalista bailó y el público comenzó a encenderse, en especial con la malograda “Just” (Jonny Greenwood se equivocó en la entrada del solo), le siguieron “Videotape”, “Wolf At The Door” y la ya clásica “Paranoid Android” que dejó a los asistentes extasiados mientras la banda se retiraba del escenario por segunda vez.

Apenas un par de minutos y el grupo está de vuelta para interpretar la parte más encendida del espectáculo, que incluyó los temas “You And Whose Army?”, “2+2=5”y “True Love Waits / Everything In Its Right Place”. Se despiden fríamente y el concierto parece llegar a su fin.

Yorke, Jonny y Colin Greenwood, O’Brien y Selway regresan corriendo al escenario para interpretar la canción más aplaudida de la noche, la archiconocida “Creep”, con la cual finalizan el concierto y dejan contento a un público que iba a escuchar sus grandes éxitos y que sólo al final pudieron disfrutar del más famoso de todos.

El incómodo ambiente que se respiró durante casi la totalidad del espectáculo se completó con un sonido sin potencia, una horrible representación de San Carlos de Apoquindo gracias a los genios de DG Medios y una banda que no supo conectar con el público y que prefirió las burlas por sobre el entendimiento.

EL OTRO RADIOHEAD

Quién sabe qué tirón de orejas recibieron Yorke y compañía, pero los cierto es que las personas que subieron al escenario el viernes 27 eran otras, llenas de energía, ganas de tocar y encantar al público, que además, había comprado su entrada pensando que este sería el primer concierto, por lo tanto y lo más seguro, es que el público de esa noche se constituía básicamente de fanáticos.

Con algo de retraso los británicos abrieron los fuegos con “Creep”, algo pocas veces visto y que sirvió como fórmula mágica para encender al público desde el primer minuto y que hay que destacar, no dejó de corear una sola canción durante el concierto, todo lo contrario a lo sucedido el día anterior.

Le siguieron “The National Anthem”, “15 Step”, “There There” y la problemática “All I Need”, que esta vez si fue coreada e incluso recibió un apático “muchas gracias” por parte de Thom Yorke.

Sin duda era una noche de incertidumbres, porque era el último concierto de la gira latina, nadie sabía con qué temas sorprenderían y tampoco cómo sería el trato de los británicos hacia su público, que en la noche anterior había sido bastante desagradable. Afortunadamente nada malo sucedió y el espectacular concierto se transformó en un in crescendo de temazos coreados a todo pulmón por la audiencia, que esta vez, sí conocía las canciones (aplausos).

Perfectas ejecuciones de “Nude”, “Weird Fishes/Arpeggi” “The Gloaming” “Climbing Up The Walls” que vino a reemplazar a “Airbag” y la siempre hermosa “No Surprises”, que reemplazó perfectamente a “Karma Police”.

Sin parones entre tema y tema, no como el 26, le siguieron inmediatamente “Videotape”
“Morning Bell” que reemplazó a “Wolf At The Door” “Reckoner” y “Just”, que esta vez salió perfecta, incluso Jonny Greenwood se rió de que el solo le había salido perfecto. En ese punto ya se podía notar el fiato entre los miembros del grupo y lo bien que lo estaban pasando en el escenario.

“Idioteque”, que esta vez sí la tocaron completa (mil gracias), Exit Music (For A Film), que reemplazó a “How To Dissappear Completely” y “Bodysnatchers”, así cerraron la primera parte del show y se despidieron calurosamente del público que pedía a gritos más canciones.

Regresan al escenario para interpretar “Jigsaw Falling Into Place”, “Dollars & Cents” (gran regalo para los ultrafanáticos) “House Of Cards”, la emocionante y ultra coreada “Street Spirit” y para terminar el segundo acto “The One I Love (REM) / Everything In Its Right Place”. Se despiden y e menos de 1 minuto están de vuelta para interpretar el final del espectáculo.

“Go Slowly” para los fanáticos, una joyita, “2+2=5” que hizo saltar a todo el mundo y para finalizar con broche de oro, una extendida y espléndida “Paranoid Android”, que combinó juegos de luces con la maestría de los músicos, que antes de despedirse y con Ed O’ Brian como vocero, dieron las gracias por la audiencia, por tocar en Chile, que según él era un sueño y por dar por finalizada la gira latinoamericana. Pero Yorke no se quedó callado y luego de agradecer dijo algo similar a esto “You’ re the best crowd in the whole world… you know”, algo así como “son el mejor público del mundo…vos cachai” y con esa irónica despedida, Radiohead se despidió de nuestro país.

Fueron dos conciertos totalmente distintos, ambos de calidad, pero lo que no hubo en el primero, en el segundo lo hubo con creces, como la interacción con el público, los deseos de dejar a todos contentos, la misma audiencia que se sabía todos lo temas y mil factores más que nos hicieron presenciar a dos Radioheads distintos, algo que puede agradecerse o discrepar, pero lo cierto es que luego de 16 años de espera, los chilenos pudimos verlos en vivo.

Los desperfectos, culpa de la productora, Los maestros de DG Medios que cambiaron el recinto, colocando esos horribles mecanos para emular a San Carlos de Apoquindo, pantallas pequeñas que no mostraban nada, problemas de sonido en el primer concierto y por último y siempre más importante, las entradas más caras del mundo, hasta cuando atacan los bolsillos de los chilenos en plena crisis, es un espectáculo de música, no la final del mundo. Atinen de una vez.

En fin, Radiohead estuvo en Chile, se disfrutó, se cantó y se bailó. La gente salió contenta y eso es lo más importante de todo, el resto, ya no importa.

Blondie

Contrario a lo que se presumía por el orden entregado en los carteles promocionales, fue el grupo estadounidense Blondie quien dio inicio al festival. Con un sonido impecable los neoyorquinos encabezados por Debbie Harry deleitaron a una audiencia que enganchó plenamente con los coros y bailes solicitados por la artista, quien a sus 63 años y más de 30 de carrera artística mantiene una impecable y poderosa voz que no tuvo problemas al enfrentarse a clásicos de importante dificultad vocal como lo es ‘’Maria’’ o ‘’Heart of Glass’’.

La muy bien cuidada voz de Harry se compenetró armónicamente con un gran sonido instrumental. Los músicos del grupo, y en particular el batero, hacen que el sonido Punk que caracterizó a la banda no pierda esa esencia con la que se dieron a conocer a mediados de los 70. Junto a su registro, la vocalista hizo gala de sus atáxicos y psicodélicos bailes setenteros, los que demostraron que la diva y su banda están más que vigentes, a 3 décadas de haber dado inicio a su carrera musical.

Rick Astley

Nacido hace 43 años, el inglés Rick Astley echó mano a una batería de pegajosas canciones que no se caracterizan precisamente por su arreglo musical, sino más bien por ese sonido reiterativo que tanto gusta a sus fanáticos.

El show de Astley tuvo como eje central la interacción con el público, quien por su parte, agradecido coreaba clásicos como ‘’Together Forever’’, ‘’She Wants To Dance With Me’’ o ‘’Take Me To Your Heart’’. El recorrido musical del británico se enfocó fundamentalmente en temas del disco ‘’Whenever You Need Somebody’’ lanzado en 1987, siendo el más vendido en la carrera del artista. El momento hilarante de la noche se produjo una vez que el británico solicitó la ayuda de seguridad para subir al escenario a una fanática que lo ayudara en el canto.

‘’Gina’’ era el nombre de aquella fan que se tomó le escenario para interpretar ‘’My Arms Keep Missing y “You’’ ante la mirada de Astley, quien a su vez le regaló unos sensuales movimientos. El show lo cerró con el más conocido de sus hits. ‘’Never Gonna Give You Up’’ fue coreada en pleno, por un público que agradeció la primera visita del artista a Chile.

A-ha

Los noruegos de A-ha lograron aquello que no pudieron concretar en su visita a Viña del Mar durante el 2006. En esta oportunidad los arreglos musicales sonaron impecables, y la voz de Morten Harket llegó a aquellas notas que lo transformaron en una de las principales voces de la década de los ochenta. Apenas pisaron el escenario del Movistar Arena el trío escandinavo se transformó en el más aplaudido de la noche.
Iniciaron su presentación con ‘’Living a Boy’s Adventure Tale’’ un clásico tema del grupo que de inmediato ponía a prueba el registro vocal de Harket, puesto que es una canción con variados altibajos. Harket pasó la prueba y dio paso a un recorrido por grandes clásicos del grupo como ‘’Scoundrel Days’’ o ‘’I’ve Been Losing You’’.

A la mitad de la presentación, Harket, Furuholmen y Waaktaar, se unieron para dar vida a sendas versiones acústicas de ‘’Hunting High and Low’’, la que fue coreada al unísono por el público, y ‘’Summer Moved On’’, la que sorprendió por la alta nota sostenida por el vocalista. El show continuó con la unánime aprobación de la audiencia, quien no cesó de repetir los estribillos de ‘’Stay On These Roads’’ y ‘’Crying In The Rain’’, canciones seguras en uno que otro compilado ochentero, lo que demuestra la trascendencia del trío.

La presentación concluyó con la interpretación del single que los catapultó a la fama, ‘’Take On Me’’ fue coreado por un enardecido y conforme público, quien se pudo dar el lujo de ‘’certificar’’ la vigencia de una banda ícono de los 80.

Un Movistar Arena casi vacío recibía con 15 minutos de atraso a los cuates de Molotov. Entre gritos, Tito Fuentes – vocalista y guitarrista principal- grita ¡“Gimme The Power” Chile! Así comenzaban su concierto, lamentablemente plagado de desafinaciones. Pero estos tipos no se alteran, todo lo contrario, se relajan aún más.

Siguieron temas como “Amateur”, dedicado a su equipo de fútbol Pumas. “Here We Kum” y “Chinga tu Madre” todos coreando “Chingo Yo Chingas Tú…” Rato después el gringo loco Randy Ebright nos muestra su destreza en la batería con “Marciano (Versión punk)”.

“Frijolero” y el Arena se llena un poco más. Todos bailan. “Más Vale Cholo” y los Molotov se afianzan sobre el escenario, seguros y llenos de confianza.

Al terminar “Matate Tete” Tito hace el amague de “Seek And Destroy” de Metallica que paró el corazón de más de algún metalero que acompañaba a su polola. Para terminar casi una hora de concierto el tema más pedido de la noche “Puto”. A corear, bailar y saltar “¡puto, puto!” a esas alturas el Arena estaba al 60% de su capacidad.

Nota aparte es la relación de hueveo amigos entre los integrantes. Si hasta vasos se tiraron. Una armonía y amistad casi de colegio que lograron proyectar en el público.

Los Piojos

Debo reconocer mi ignorancia. No conocía mucho de Los Piojos, pero me sorprendieron. Andrés Ciro Martínez, su vocalista es un verdadero Mick Jagger latino. Periodistas y gráficos tenían que correr para lograr una buena foto.

Cautivaron con clásicos como “Taxi Boys”, “Ruleta” y la rompieron con “Verano del 92”. A pesar de todo hay que reconocerlo la mayoría venía por Molotov y Bersuit.

Bersuit

Casi una hora y media estuvo Bersuit deleitando a los fanáticos nacionales. Cantos, bailes, saltos y gritos logró Gustavo Cordera, el pelado cautivó con temas como “La Bolsa” y “Señor Cobranza”.

En general el sonido ni se comparó con lo que fue Patton y Cornell, pero la energía que se produjo ayer en el Pepsi Fest dudo que se vaya a repetir, el público latino como dicen tiene más “sabor”.

Hasta último momento Chris tuvo con el corazón en la mano a más de un organizador del evento. Nos enteramos vía Twitter que el vuelo en que venía el ex Audioslave tenía un atraso de más de 10 horas.

Ya eran casi las 11 de la noche y los gritos llenaban cada uno de los espacios en el Movistar Arena. Aparecía Cornell cantando “Part Of Me” una de las canciones de su último disco Scream producido por Timbaland.
Por lo visto en sus últimas presentaciones, se esperaba que cantara gran parte de su más reciente álbum, por suerte no fue así. Si bien el disco no es malo, no es a lo que típicamente nos tiene acostumbrados.

Así siguieron temas como “You Know My Name” soundtrack de la película de James Bond Casino Royale. “Hunger Strike”, de la agrupación tributo a Andrew Wood, Temple Of The Dog. “Spoonman” de Soundgarden y “Show Me How To Live” de Audioslave.

A pesar de los gritos de las féminas, la voz de un Cornell de 44 años era increíble, ensordecedora. Quizás esta vez no hubo la energía de aquel 2007, pero logró conectarse con el público de una manera que no muchas veces ocurre, conquistó a todos y a todas. Entre sus brazos al aire y sus miradas coquetas los gritos aumentaban por montones.

Los solos de guitarra no podían igualar a los de Tom Morello aunque el sonido fue impecable. No como ocurrió en Espacio Riesco donde no se logró explotar lo que realmente puede lograr Chris Cornell y sus cuerdas vocales. Esta vez lo dejó claro.

La banda se iba y dejaba a Cornell solo con su guitarra electro-acústica para interpretar temas como “Fell On Black Days” y “Like A Stone”.

Volvía la banda y se venía “Gasoline” y “Cochise” de Audioslave, pero el fantasma de Morello seguía estando ahí nadie iguala sus solos.

Uno de los mejores momentos de la noche y que denotaba el extremo relax de Cornell fue cuando uno de los guitarristas hizo un atisbo de “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin y pide el micrófono, pero empieza a cantar “Sunday Bloody Sunday” de U2, a lo que ya un extasiado Cornell sentado al lado de la batería dice “parece que es muy joven para saber esta canción” y canta un pedazo de Stairway… Para ese momento muchos incluyéndome esperábamos que tocara algo de Led y el momento llegó. Después del primer biss La batería de “Immigrant Song” comenzaba a sonar. Para muchos una sorpresa que dejó a más de alguno preguntándose ¿porqué no compre entrada VIP? Créanme era escuchar a Robert Plant. Siguiente y no menos importante “Black Hole Sun” dos grandes éxitos por el precio de uno.

Se vuelve a ir la banda y esta vez creemos que es para siempre, la galería de desaloja y en la pantalla gigante salen logos de Pepsi. En eso se escucha gritar a los pocos que seguían en el Arena, todos corremos y la banda había vuelto. Ahora era un concierto para unos pocos así cerraron con “Like Suicide” de Soundgarden, ¡que regalo! Casi para creer en la frase cliché que dijo a mitad del concierto “Éste es el mejor público del mundo, son el mejor de todos”.

Okay, comenzar esto no es fácil, pero como es lógico, partamos por el principio: Patton es Patton, un músico inquieto, impredecible, a veces genial, amado por miles y odiado por otros tantos y que tiene a su haber un aproximado de 30 bandas, pero seamos sinceros, el espectáculo que presentó anoche hubiera sido su mejor carta de presentación para el Creamfields u otro evento ondero como ese.

El ex vocalista de Faith No More (lo de “ex” dura hasta el Download Festival) prefirió enfocarse exclusivamente en el material experimental que viene trabajando con la banda italiana Zu (¿la conocen?) y por supuesto que ni un atisbo de sus grandes éxitos o algún tema de alguna de sus tantas bandas.

En definitiva, más que el propio Mike Patton, eran las máquinas electrónicas las que hacían las veces de banda y frontman. Canciones extrañísimas, sin mucha letra y con demasiados alaridos, pero Patton se dio el lujo de cantar a capella y en español el tema Crying, una canción en italiano e inclusive una de hardcore italiano. A veces queda la duda si existen esas divergencias musicales por esos países, pero al parecer así es y es un punto álgido del espectáculo, algo nuevo y refrescante.

Aunque no se puede encasillar de una u otra cosa lo que hizo Mike Patton en el Arena, lo que sí se puede afirmar vehementemente es que logró prender al público que aún no repletaba el recinto y mientras la audiencia lo ovacionaba con un “Patton, Patton”, irónico como siempre les devolvió un “Puto, Puto”, (¿guiño a Molotov?) nah. Show para el recuerdo.

Aunque el concierto estaba programado (o al menos así lo decía en los tickets de entrada) para las 20 horas, lo cierto es que James Blunt abrió los fuegos 15 minutos antes con una desconocida canción titulada “Breathe”. Inmediatamente las féminas del lugar comenzaron a llenarlo de piropos y silbidos, aunque ni siquiera conocían el tema.

La puesta en escena del inglés fue muy sencilla, pocas luces y cero parafernalia audiovisual. Vestido con terno, corbata y zapatillas, que a pesar de la sobriedad, aún le daban un look bastante juvenil que encantó a un público mayoritariamente adulto, aunque también hubo algunos veinteañeros que se aproximaron al Arena Santiago (chao MoviStar). Gratificante fue ver a varias generaciones unidas por la música.

Luego vinieron las conocidísimas “Billy”, “High” y “Carry You Home”, donde al final de la última el británico hizo un esfuerzo para entonar un extraño español que fue agradecido con efervescencia por los asistentes, que a esas alturas debían ser aproximadamente unos 8 mil.

Una ametralladora de hits en poco más de una hora; “I’ll Take Everything”, “Goodbye My Lover”, “Coz I Love You” -en donde se bajó del escenario y corrió hasta el fondo del recinto a saludar a sus fans-, “Out Of My Mind”, “Turn Me On” y la lacrimógena “You’re Beautiful”, que junto con “Can You Feel The Love Tonight” de Elton John fue la más coreada de la noche y la que prendió al público y los animó para aguantar las próximas tres horas de música sin interrupciones.

Para finalizar, Blunt hizo de corrido el resto de sus hits; “Wise Man”, “So Long Jimmy”, “Same Mistake” y “1973” vestido con la roja de todos, el típico cliché de las bandas que se presentan en Chile, se despidió rápido, porque el plato principal estaba casi listo, eran las 20:58.

Elefant John y su banda

Más de media hora se demoró el staff técnico en dejar todo preparado para la aparición de Elton John. A esas alturas unas 12 mil personas repletaban el recinto y la impaciencia se hacía presente, con chiflidos y garabatos varios, que seguramente ni entendieron los encargados de los instrumentos, el espectáculo debía continuar. Bueno, esto es Chile, así con la tolerancia y el respeto pues.

Exactamente a las 21: 26 se apagaron las luces y Reginald Kenneth Dwight, alias Elton John apareció en escena. Un inicio tibio y extremadamente largo. Todos sabemos que sir Elton es un prodigio, sino un genio al piano, pero se lanzó con unas extendidísimas versiones de “Funeral For A Friend / Love Lies”, que duraron en total más de 20 minutos. Al inglés le gusta jugar con el público, pero en esta ocasión se le anduvo pasando un poco la mano.

Con “The Bitch Is Back”, la audiencia comenzó a prender, pero no esperaban que la próxima media hora sería de alargues de canciones y extensas improvisaciones, demasiado elaboradas para un público que quería escuchar sus grandes éxitos.

Para lo anterior, el británico llegó con una banda de lujo: Davey Johnstone (guitarra y voces), Guy Babylon (teclados), Bob Birch (bajo y voces), John Mahon (percusión y voces) y Nigel Olsson (batería y voces).

“The Bitch Is Back” y “Madman Across The Water”, otro gran interludio virtuoso de más de diez minutos, de una canción que originalmente dura 5:57 minutos, compensados por la genial “Tiny Dancer”, que aunque no sonaba como la original, la voz de sir Elton se escucho fuerte y clara. Se echó de menos a las coristas que utilizaba en sus tiempos de antaño, pero ya está, fue un temón que encendió la noche.

“Levon” de apenas seis minutos, que ya es bastante, superó los diez. La gente se impacientaba, quería escuchar los clásicos de siempre. Pero, a pesar de tanto virtuosismo, se agradece que un artista que viene tocando esos temas por más de cuarenta años se de la lata de improvisar sobre los mismos, una alegría y regalo para los fanáticos reales.

En la misma onda siguieron temas como “Believe”, “Take Me To The Pilot”, “Goodbye Yellow Brick Road” y “Daniel”, muchos en cancha se impacientaron y decidieron abandonar el lugar, muy mala suerte para ellos, porque lo mejor estaba por venir, es obvio, a Elton John le encanta jugar como un niño chico con sus canciones, hay que entenderlo, sino, no sabes nada de él.

Y aquí viene lo bueno “Rocket Man (I Think It’s Going To Be A Long, Long Time)”, también extendida, pero de qué manera memorable, una de las pocas canciones coreadas a todo pulmón por la audiencia. Luego fue el turno de “Honky Cat” y la hermosa “Sacrifice” interpretada al pié de la letra, como escuchando un disco en casa, perfecta. Posteriormente la impecablemente ejecutada “Someone Saved My Life Tonight” y Elton se dio un tiempo para presentar a su banda.

“Sorry Seems To Be The Hardest World” y la preciosa “Candle In The Wind” dejó a los más fanáticos extasiados, ya no más virtuosismo, sólo clásicos históricos, Elton había dejado de jugar y los que se quedaron supieron aprovechar esos momentos.

“Bennie And The Jets”, “Philadelphia Freedom”, “Sad Songs (Say So Much)”, “I’m Still Standing, Crocodile Rock”,” Saturday Night’s Alright (For Fighting)”, sólo clásicos para esta parte, Elton John se despide y un gran número de personas sin “cultura de conciertos” abandona el recinto, era un simple “encore break” para salir a tocar las dos mejores canciones de la noche: “Can You Feel The Love Tonight”, coreada hasta el extremo y “Your Song”, escrita para el público, para nosotros mismos.

El inglés se retira del escenario las 23:54, luego de casi dos horas y media de espectáculo, que fueron casi perfectos, dejando de lado los virtuosismos y egocentrismos, hasta el momento (enero), éste ha sido el mejor recital de lo que va del 2009. Un agrado haber presenciado a sir Elton John en vivo y en directo, nada más que decir.