En la 81 entrega de los premios Oscar en Hollywood, la película india de Danny Boyle, Slumdog Millionaire, fue la gran ganadora, arrasando con ocho estatuillas. Otros triunfadores fueron la actriz española Penélope Cruz y Kate Winslet, y Heath Ledger recibió un emotivo Oscar póstumo, como Mejor Actor Secundario.

Slumdog Millionaire, la película estrella de Hollywood, fue galardonada como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión, además de recibir los premios de Mejor Música y Mejor Canción. El film “El curioso caso de Benjamin Button”, que era favorita en 13 categorías, sólo recibió tres premios: Maquillaje, Efectos Visuales y Dirección de Arte, dejando sin trofeo al chileno Claudio Miranda, encargado de la fotografía de esta producción.

El momento más emotivo de la noche fue la entrega del Oscar póstumo a Heath Ledger, recibido por sus padres y su hermana. “Habíamos hablado de que estarías aquí y hubiéramos deseado que así fuera”, dijo Kate Ledger, emocionando a estrellas como Angelina Jolie y Anne Hathaway, que luchaban por contener las lágrimas.

Penélope Cruz sacó la cara por los hispanohablantes, al ser la primera actriz española en llevarse una estatuilla por Mejor Actriz Secundaria en “Vicky Cristina Barcelona” y Kate Winslet logró el máximo galardón como actriz por la película “El lector”.

Sean Penn logró un sorpresivo premio como Mejor Actor por la película “Milk” y Jerry Lewis obtuvo un homenaje por su trayectoria, en una ceremonia que fue conducida por el actor australiano Hugh Jackman y que duró menos que en años anteriores.

La película ‘Slumdog Millionaire’, del director británico Danny Boyle, arrasó en la ceremonia de entrega de los Oscar al llevarse ocho de las diez estatuillas a las que optaba. ‘El curioso caso de Benjamin Button’, con sólo tres trofeos menores, fue la gran perdedora de la noche.

El filme de Boyle, que retrata la pobreza de los arrabales de Bombay a través de la historia de un niño que participa en un programa de televisión, se llevó los premios a la Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje; así como los de Mejor Sonido, Mejor Canción y Mejor Fotografía.’Slumdog Millionaire’, realizada con actores indios de Bollywood y sin grandes efectos especiales, había sido desechada por la Warner.

Por contra y pese a contar con trece nominaciones y mayor presupuesto, ‘El curioso caso de Benjamin Button’, se tuvo que conformar con las estatuillas a Mejor Maquillaje, Mejores Efectos Especiales y Mejor Dirección Artística.

El premio a Mejor Actor recayó en el estadounidense Sean Penn por su representación del activista homosexual Harvey Milk en ‘Mi nombre es Harvey Milk’, película que también obtuvo el reconocimiento como Mejor Guión Original. El galardón de Mejor Actriz fue para la británica Kate Winslet gracias a su actuación en ‘El Lector’.

Heath Ledger se llevó el Oscar a título póstumo como Mejor Actor Secundario por su papel de Joker en ‘El Caballero Oscuro’. Legder murió el pasado 22 de enero de 2008 por una sobredosis accidental de medicamentos.

La actriz madrileña Penélope Cruz ha obtenido hoy el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel como María Elena en ‘Vicky Cristina Barcelona’, convirtiéndose así en el segundo intérprete español en hacerse con una estatuilla dorada, después de Javier Bardem. Cruz se impuso en la votación a Viola Davis y Amy Adams, ambas nominadas por ‘La Duda’, Taraji P. Henson (‘El curioso caso de Benjamin Button’) y Marisa Tomei (‘El Luchador’).

Era la segunda vez que la española estaba nominada para ganar la estatuilla, después de que en 2006 fuese la primera actriz de nuestro país candidata al Oscar por su interpretación de Raimunda en ‘Volver’, de Pedro Almodóvar. Su papel en la película de Woody Allen también le ha llevado a conseguir un Goya a la Mejor Actriz de Reparto, el Bafta británico y el premio ‘Independent’, el más importante del cine independiente estadounidense, por este mismo filme.

‘Departures’, del japonés Yojiro Takita, se llevó la estatuilla a la Mejor Película de Habla No Inglesa. El filme narra la vida de Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, y que termina vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza hasta que encuentra un empleo como enterrador, lo que le sirve para encontrar el sentido de su vida.

La película ‘Man on Wire’, que retrata la vida del funambulista francés Philippe Petit, se llevó el Oscar a la Mejor Película Documental, mientras que el Mejor Corto Documental fue para ‘Smile Pinki’, la historia de una niña india que sufre una deformidad.

El Oscar al Mejor Cortometraje fue para la alemana ‘Spielzeugland!’, el de Mejor Película de Animación recayó en ‘Wall-e’ y el Mejor Corto de Animación para ‘La maison en petits cubes’, del japonés Kunio Kato. ‘El Caballero Oscuro’ obtuvo su segundo Oscar a la Mejor Edición de Sonido.

Sentimientos de amor, lealtad, venganza y sacrificio se entremezclan a la perfección para dar vida a uno de los mejores thrillers policiales de los últimos años. Se trata de una historia de lucha entre familias, de choques culturales y modos de vida, que está llevada con corrección y buen ritmo, algo que por fin no te hará escapar de tu butaca.

El filme se centra en el Brooklyn de finales de los ochentas. Un nuevo tipo de droga ha invadido la enorme ciudad, seguida por la más feroz y aterradora oleada criminal que se recuerda. Superada en número de efectivos y en armas por los nuevos gángsteres, la policía pierde en promedio a dos de los suyos cada mes.

Es una guerra declarada que amenaza con llevarse por delante a culpables e inocentes. Bobby Green (Joaquin Phoenix) se ve atrapado en el fuego cruzado. Es el encargado de una discoteca situada en Brighton Beach y frecuentada por gángsteres como Vadim Nezhinski (Alex Veadov). Bobby intenta mantenerse apartado y no involucrarse. A pesar de un estilo de vida amoral y hedonista, quiere a su novia Amanda y sueña con abrir una discoteca en Brooklyn.

Pero Bobby tiene un secreto muy bien guardado: su hermano es el teniente de policía Joseph Grusinsky (Mark Wahlberg), que ha seguido los pasos de su padre, el legendario jefe de policía Burt Grusinsky (Robert Duvall). Bobby no se lleva bien con ellos y la relación empeora cuando su padre le advierte que la guerra está por empezar y que deberá decidir de qué lado está.

Desde un comienzo el director James Gray sabe trazar con claridad las líneas que desembocan en un final más que inesperado, jugando con la imaginación de quienes observan la película y se preguntan qué sucederá en cada segundo. Afortunadamente el azar no está presente en el filme, todo encaja a su debido tiempo dentro de esta máquina llamada We Own The Night.

Punto en contra es el hecho de que esta película haya salido en DVD el 12 de febrero –o sea, que es del año 2007- y que recién la semana pasada se estrenara en los cines locales. Injusticias que tuvieron que sufrir peliculones como Into The Wild (Sean Penn) o Control (Anton Corbijn), que jamás serán exhibidas en Chile, pero que sí pueden ser arrendadas en cualquier videoclub. Revisen por ahí, hay muchas joyitas dando vuelta que jamás serán proyectadas en las grandes pantallas nacionales.

Enfrenarse a este filme es ponerse frente a un vigoroso intento de llevar al Código Da Vinci a un plano filosófico, metafísico y matemático -claro que sin referencias religiosas-, que a falta de imaginación, emplea los mismos recursos que utilizara Dan Brown para crear esa atmósfera misteriosa de su obra. Se repiten la Sucesión de Fibonacci, el número Pi y la Proporción Aurea.

Lo anterior lleva a la premisa que todos hemos oído: “Dios ¿juega a los dados o no?”. Se debate sobre la existencia de una lógica oculta que ordena la realidad, algo que no se resuelve durante la película y que tiene muy poco o nada que ver con los Crímenes de Oxford (Crímenes Imperceptibles en el original de Guillermo Martínez). Albert Einstein murió tratando de resolver ese enunciado y si él no lo hizo, menos lo hará un filme de Álex de la Iglesia. Toda esa diatriba es un gran relleno, que lamentablemente no funciona y aburre.

La película trata de Martin (Elijah Wood), un estudiante gringo que llega a la universidad de Oxford (Inglaterra) para que el prestigioso profesor de lógica Arthur Seldom (John Hurt) dirija su tesis. El primer encuentro se da cuando ambos descubren, por accidente, el cuerpo de una anciana asesinada en su propia casa. Sólo será el primero de una serie de crímenes que podrían pasar por muertes naturales si no fuera por los símbolos que los acompañan. Unos mensajes inquietantes que alumno y profesor deben descifrar para acercarse a la verdad absoluta.

Eso queda lindo en el papel, pero lo cierto es que la “serie de asesinatos” apenas son dos y los símbolos son basura de relleno que nada tienen que ver con el desenlace de la película. No hay sangre, no hay acción y peor aún, no hay misterio. Incluso, alumno y profesor no comparten ideas y cada uno se dedica a encontrar la verdad por su cuenta. Una verdad que el espectador descubre casi apenas iniciada la película

Por otro lado, restándole el débil argumento pseudofilosófico y el pobre trabajo actoral del ex Hobbit, el tratamiento de imagen, fotografía y sonido es impecable y gracias a ellos la película logra generar cierta tensión en el espectador, tal vez el único acierto de Álex de la Iglesia, lo único que hace que la gente no se pare de su butaca y se vaya a la sala del lado a ver The Dark Knight por octava vez.

Entre tanto “Batman”, “Viaje al centro de la tierra” o “Tony Manero”; “La Buena Vida”, la última película de Andrés Wood (director de Machuca, La fiebre del Loco, Historias de Fútbol), pasó casi desapercibida. Con toda la gente que había en el cine, y todas las películas que estaban expuestas ante mis ojos, era difícil encontrar el cartel de este filme, que además de no haber estado tan anunciado, tuvo que retrasar en dos semanas su estreno por la feroz competencia que se le pronosticaba. Con un diseño muy simple y retratando la cara de los personajes, el cartel no decía mucho, más bien no decía nada, y parecía salir perdiendo contra la majestuosidad de Batman mirando ciudad Gótica, o frente a la gran imagen de Alfredo Castro vestido a lo John Travolta.

Por alguna razón había elegido salir ese viernes lluvioso, directo al Cine Hoyts en busca de esa película. No me importó mucho hacer la tremenda fila para comprar las entradas, llegar empapada al cine o perderme las sinopsis de las próximas películas. Al entrar a la sala me sorprendió que ésta estuviera tan llena, más de lo que esperaba porque nunca me había tocado una película chilena tan concurrida.

Encontré un asiento casi en la última fila y me senté con mi infaltable paquete de cabritas gigante. Cuando empezó la película, (aparte de casi haberme terminado las cabritas), a mi lado había una pareja que conversaba feliz de la vida y se reía como si estuvieran viendo la última de Eddie Murphy. Pero a los cinco minutos se callaron, y no porque alguien les hubiera pegado por la espalda o hubieran hecho el clásico “shhhhhhhh”. No, fue la película la que los calló; y no sólo a ellos, sino que a todos los de la sala. Apenas empezó, la cercanía de sus protagonistas y la simplicidad de las historias, poco a poco nos iban consumiendo y trasladando no a una dimensión desconocida, sino que a la más conocida… la vida real.

La película funciona como un espejo, las tres historias; la de la madre con la hija embarazada, el músico frustrado en Carabineros y el cuarentón que vive con su madre; tienen ingredientes muy reconocibles por todos los espectadores con los que se pueden sentir identificados. La tristeza, la frustración, los problemas de pareja, la separación, la juventud, el paso de la vida y la decepción se van mezclando poco a poco, pero en las dosis justas para que uno sienta que la película te habla al oído.

La simpleza de la película es total, no hay una idea de cerrar las historias, ni de llegar a una conclusión final sobre esta extraña sociedad santiaguina. “La Buena Vida” se desarrolla en lugares que todos parecemos conocer de una manera u otra. Personalmente, había pasado mucho tiempo desde que no sentía tanta conexión con una película, o tal vez que no entendía de manera tan clara lo que ésta me quería decir.

Además, la película tiene un ingrediente especial, que es que la ciudad es un personaje importante dentro del filme. Por momentos sentí que estas tristes y sufridas historias sólo podrían ocurrir en una ciudad tan especial como Santiago. Vista en su esplendor en la primera y última imagen (la última tal vez la más terrible); la película muestra a Santiago no como esa cosmopolita y brillante ciudad llena de emprendedores empresarios o de súper héroes que nos pintan en otras películas chilenas. Este Santiago es gris, de paso lento, con un aire viciado donde la gente se pierde en sus calles y pasajes angostos; donde la frenética construcción de edificios no es una señal de progreso, sino de cómo vamos perdiendo nuestra identidad y de cómo la ciudad va consumiendo a la gente que no sabe vivir a 100km/h.

Puede ser que no haya explicado mucho de la trama, y es que no hay mucho que explicar, las imágenes hablan por sí solas.

Las historias terminan en el momento justo. Cuando apareció la última escena, estaban todos los de la sala en un silencio absoluto que incluso duró hasta que comenzaron los créditos. Si esa escena hubiera durado un minuto más, creo que la tensión y la angustia que me provocó, me habría hecho llorar.

Al salir de la sala pensaba en muchas cosas, pero no en la película. Pensaba en mi vida, en el futuro, en la ciudad, y en todas las cosas que en 1 hora y 40 minutos había sentido en la sala de cine. No recordaba mucho a los actores, ni la música ni a la pareja que se reía a mi lado. En eso me encuentro de frente con el cartel de la película y me quede mirándolo, increíblemente simple, sin mucha información, ni gran impacto. Pero ahora le encontraba algo más, esa simpleza me agradaba, me daba espacio para imaginar, pensar y sentir por mí misma; cosa que hace mucho tiempo no hacía en una sala de cine. Al fin una película que me provoca más que un “sí, era buena”.

Estuvimos en la Avant Premiere de 31 Minutos, La Película, una de las producciones nacionales más esperadas y más costosas de la historia

Ahora los títeres están en la pantalla grande, en una de las películas más caras en la historia del cine chileno, donde trabajaron más de 350 personas, bajo la coproducción de Total Entertainment (Brasil), Usert38 (España) y la productora Aplaplac.

La cinta dirigida por Álvaro Díaz y Pedro Peirano (Plan Z, El Factor Humano) está centrada en las múltiples aventuras que pasarán Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque y el productor del noticiero, Juanín Juan Harry a manos de la malvada Cachirula, una niña egoísta y caprichosa, donde se pondrá en riesgo la vida y a prueba la amistad de los personajes.

La filmación de la película duró casi tres meses y se utilizaron locaciones como San Antonio en Chile, Río de Janeiro en Brasil, además de estudio construido en un hangar del ex Aeropuerto de Cerrillos. La postproducción fue realizada en España y duró cerca de un año.

La película no sólo será exhibida en Chile, ya fue doblada al portugués para ser mostrada en Brasil, donde la filmación no estuvo exenta de anécdotas. En los entornos selváticos del rodaje, debía hacerse un chequeo para constatar que no hubiese serpientes, además algunas escenas fueron grabadas en una playa nudista.

31 Minutos, la película dura 87 minutos, se estrena este 27 de marzo y promete sacar muchas risas a padres e hijos.

Trailer oficial

La película más loca, shuper volada y con el guión más inteligente estilo Almodóvar que siempre suena a cine arte para gente estilosa. No por nada cuenta con la producción de la eterna promesa de la literatura chilena, Alberto Fuguet, lo que supone estar mirando un producto de calidad y por sobretodo, original.

La película fue filmada durante el mes de abril de este año, con al dirección de Cristóbal Valderrama y la producción ejecutiva de Alberto Fuguet. El elenco está compuesto por Diego Muñoz, Nicolás Saavedra, Javiera Díaz de Valdés y Manuela Martelli, entre otros.

La cinta tuvo su pre-estreno en el SANFIC (Santiago Festival Internacional de Cine 2007) y fue una de las más aplaudidas del certamen. El 6 de septiembre debutó en las salas del país con un lleno total y con todos los famosillos de la farándula dándole el visto bueno a la nueva producción nacional.

Y la historia comienza así: Vladimir (Diego Muñoz) viene de vuelta de un carrete a bordo de su escarabajo Citroën amarillo con negro –el de la promo de la película- en evidente estado de ebriedad (curao como raja). Así, a duras penas, sube a un departamento, se mete a la cama con una mujer y se encuentra con la sorpresa de que ella dormía con otro. Grave error. Era su ex polola de hace varios meses y la borrachera le impidió recordarlo. Lo sacan a patadas y al volver a su departamento se da cuenta que sus pertenencias están amontonadas en al calle por no pago de arriendo.

La única vivienda que tiene es su estiloso auto, y ahí se queda por unos días junto a todas sus cosas. Durmiendo en la calle, en una plaza, al lado de un grifo, etc. “Sorpresivamente” aparece Jorge (Nicolás Saavedra), su ex compañero de colegio que trabaja en un laboratorio químico y lleva una vida al parecer muy ordenada. Ambos se van a tomar a un bar del sector, el “bar ato”. Ahí entra en escena el brebaje magistral: la Malta con Huevo, quien los hace reír, y entre contarse mil y una historias en imágenes avanzadas, Vladimir insinúa que sería bueno vivir juntos. Él termina borracho hasta no poder más, y sin un solo peso para pagar.

El plan se concreta y los días comienzan a pasar extrañamente. El refrigerador es más un freezer alcohólico que una despensa. La malta y el huevo repletan los espacios y una licuadora está siempre sobre el mesón para realizar la mezcla con azúcar. Pero además, hay otro elemento que marca la vida de los locos –que de verdad lo parecen por separado, pero en la buena onda– Rocío (Javiera Díaz de Valdés). La mina de Jorge. Ella es una promotora dominante y muy florero de mesa. Media cuica, pero por sobretodo, cuática.

El desorden en la casa está claro que lo produce el escultor, quien vive en una pieza que parece más cueva que habitación y que lo único que busca cada mañana es una Malta con Huevo, que también se dice sirve para la caña. Así se pasa a diario, entre paseos por el barrio, con desconocidos que lo conocen y persiguen por razones que Vladimir no recuerda y entre un desesperante desorden existencial que un día ve el calendario a principios de marzo y al despertar está a fines de mes, volviendo otra vez a la mitad y a la supuesta realidad.

Entre cada día perdido, hay miles de flashbacks rarísimos que Vladimir no entiende, pero donde siempre se ve a Jorge en un rincón con cara de cómplice maldito. Hay fiestas, amaneceres extraños, y una infidelidad de Rocío, que más parece ser la amante del artista, pero que a veces lo desconoce y desconcierta aún más.

Una producción fotográfica tremenda junta las historias que produce la Malta con Huevo con las de la realidad. Las imágenes del viaje sólo se comprenden al final, y resulta ser el viaje más extraño. Las explicaciones de porqué la Malta con Huevo le hacía perderse en el tiempo a Vladimir, y el porqué su vecina Fedora (Manuela Martelli), la chica darkie y media bruja lo persigue, y qué camino toma al final.

Otro plus es la banda sonora: los nacionales de Chico Trujillo que adornan la fiesta y acompañan cada caminata de los locos protagonistas.

Todo es química. Todo es fortuito e intencional. Grandes volones forman una muy entretenida y bizarra historia. Recomendable para ir a ver, pero que se complementa más con las grandes expectativas que se tenían de la película, con la promo y la onda que causan que con el producto final.

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